Les Hauts de Hurlevent – Wuthering Heights (1939) William Wyler avec Merle Oberon et Laurence Olivier

Bien avant de savoir que cette histoire avait été écrite par Emily Brontë, je pleurais régulièrement devant l'amour impossible entre Heathcliff et Cathy, et je rêvais de landes sans fin balayées par le vent.

L'histoire :

Un homme pris dans une tempête de neige trouve refuge dans une maison lugubre, sur la lande. Il est accueilli brutalement par le maître des lieux, Heathcliff. Pendant la nuit le voyageur croit voir et entendre une femme sur la lande. La domestique , Mrs Deane lui raconte alors l'histoire torturée de Cathy et Heathcliff.

Alors qu'elle est encore enfant, le père de Cathy ramène de la ville un jeune bohémien qu'il prénomme Heathcliff. Il deviendra le compagnon de jeu de Cathy mais aussi le souffre douleur du frère de cette dernière, Hindley. A la mort de Mr. Earnshaw, Hindley fera de Heathcliff son domestique mais il ne pourra empêcher Cathy et son jeune compagnon de continuer leurs escapades sur la lande.  Heathcliff supporte sa condition parce qu’elle lui permet de rester près de Cathy et il n’imagine pas la vie autrement. Bien sûr, Cathy aime Heathcliff mais elle rêve aussi de bals, de belles robes, de fortune.

Un soir, attirée par la musique, elle va admirer les danseurs invités par la famille Linton.

Mais elle se blesse et doit rester jusqu’à son rétablissement. Durant son séjour elle sera courtisée par Edgar Linton. Heathcliff, désespéré, partira faire fortune et découvrira à son retour que sa belle a épousé Linton. Il n’aura de cesse de se venger, jusqu'à la mort de Cathy. Il finira alors seul, terré dans sa maison, jusqu’à l’arrivée du voyageur. Ce dernier ne s’était pas trompé, le fantôme de Cathy erre dans la lande et appelle Heathcliff qui finira par la rejoindre. Rien ne pourra plus les séparer.

Depuis, j'ai lu le roman et je sais que le film de William Wyler n’est que l'adaptation de la première partie, et qu'il n'a pas la subtilité de l'écrit d'Emily Brontë. Mais peu importe. On y retrouve l’atmosphère du roman gothique : les personnages torturés, hantés par le malheur qu’ils ont subi ou qu’ils ont fait subir, les passions exacerbées, intenses, le voyageur prétexte à la narration d’une histoire passée, les fantômes qui viennent réclamer le repos.

Plus je regarde ce film plus j’aime la qualité du noir et blanc. Les éclairages aussi sont incroyables et donnent gravité et intensité aux visages et aux expressions de douleur, notamment lors des scènes près des cheminées.

Que dire aussi de ces scènes dans la lande pendant lesquelles le vent nous fouette et nous fait nous sentir vivant ?

Un autre grand atout de ce film, c’est bien sûr les interprètes, et surtout Laurence Olivier, sauvage à souhait en jeune bohémien amoureux de Cathy, mais aussi et surtout magnifique de dédain et au port aristocratique en propiétaire terrien.

Bref, j’aime ce film qui restera pour moi un de mes nombreux doudous cinématographiques que le mois anglais me permet de revisiter.

Voir aussi chez Wens (pour le film) et chez Claudialucia (pour le livre)

1er film du mois anglais

La Piel que habito - Pedro Almodovar 

avec Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes 

Inspiré par le très noir roman de Thierry Jonquet, Mygale, La Piel que habito a pour personnage principal Robert (Antonio Banderas), brillant chirurgien plastique. Ce dernier, contre l'avis de la profession, continue ses expériences sur la greffe de peau dans son laboratoire personnel. Il teste ses nouveautés sur une femme qu'il séquestre et qui est étroitment surveillée par Marilia (Marisa Paredes), employée de maison totalement dévouée à Robert.

Le chirurgien est fasciné par Vera, sa création, qu'il observe sur des écrans. Il faut dire que Vera, sous les traits d'Elena Anaya est d'une beauté incroyable.

Par flash-back interposés on apprend petit à petit la cause de cette folie qui habite le chirurgien. Suite à un accident, sa femme, grièvement brulée n'a pu supporter son image défigurée et s'est suicidée. Il n'a pu la sauver malgré toutes ses compétences, est obsédé par le remords et veut mettre au point une peau artificielle parfaite qui résisterait à toutes les agressions. C'est à cela qu'il s'emploie sur Vera.

Mais le remords n'est pas la seule motivation de Robert. Il est également animé par une incroyable soif de vengeance et Vera en est l'objet.  

Qui est-elle ? Pourquoi l'a -t-il choisie comme cobaye ?

Un autre personnage est l'objet des expériences du chirurgien : Vincent, un jeune homme qu'il a kidnappé et qu'il traite comme un animal, enchaîné, abandonné à sa solitude et dans l'incompréhension de sa situation.

 Là aussi, quelques flash-back permettront au spectateur de reconstituer le cheminement des personnages et de découvrir l'horreur de la situation, le lien entre Vera et Vincent et le machiavélisme du chirugien.

Mais il n'est pas le seul à être pervers. Son employée de maison, Marilia, n'est pas ce qu'elle prétend être et peut-être est-ce elle la plus perturbée dans cette histoire. Quant à Vera, elle paraît parfois prendre plaisir à sa séquestration et semble manipuler Robert.

Encore une fois Almodovar nous raconte une histoire insensée. Une histoire de folie, de vengeance, de manipulation et de transgression.

Comme toujours le corps et l'identité sexuelle sont au coeur de sa réflexion.

J'ai aimé retrouver Antonio Banderas (soupir !) aussi magnifique dans la froideur et le détachement qu'il l'avait été dans l'agitation et la fièvre de Attache-moi ! (mon Almodovar préféré). Quant à Elena Analya, ce fut une belle découverte.

L'histoire que nous raconte Almodovar est sordide et dérangeante, mais elle l'est malgré tout beaucoup moins que celle racontée par Thierry Jonquet. On passe assez rapidement sur certains passages, notamment la détention de Vincent, et il est plus difficile de comprendre ce qu'il ressent. Mais c'est souvent le cas quand on passe de l'écrit à l'écran, il faudrait bien plus de 2h pour construire réellement une atmosphère aussi chargée.

Toujours en comparant le film au roman, je n'ai pas trop aimé la fin, sorte de « happy end » pour Vera, mais là encore c'est vraiment tordu.

Mais je n'ai malgré tout pas boudé le plaisir de ce mélodrame, genre qu'on ne voit plus beaucoup dans les salles.

Never let me go

Réalisateur : Mark Romanek

Avec : Andrew Garfield , Carey Mulligan, Keira Knightley

d'après le roman de Kuzuo Ishiguro

Je l'avoue, je suis sous le charme de l'écriture d'Ishiguro, et particulièrement de Never let me go. Ce roman m'a complètement bouleversée, et même si sa lecture remonte à plusieurs années, j'en ai gardé des images très précises et surtout des émotions qui me hantent encore aujourd'hui. Ah ! Cette écriture ! Ah ! La subtilité de son style !

Aussi, quand j'ai appris qu'il allait y avoir une adaptation cinéma, ma première réaction a été de dire : « On ne peut pas adapter un tel chef-d'oeuvre ! Encore une nullité en perspective ! » Et puis la curiosité a été la plus forte, et dès qu'il est enfin sorti par chez moi, je m'y suis précipitée, sûre que j'allais être déçue.

Bon, l'histoire, vous la connaissez (ou pas).

Kathy, jeune adulte, raconte sa vie et celle de nombreux enfants à Hailsham, pensionnat typiquement anglais. Elle raconte surtout sa vie avec Tommy et Ruth à travers de petits détails de leur quotidien très cadré et très réglementé. Un pensionnat des années soixante, quoi ! Pourtant, plus on avance dans le récit et plus on soupçonne quelque chose d'étrange, un malaise s'installe, mais on ne sait pas quoi, jusqu'à la révélation incroyable, celle de leur devenir à tous.

Ce roman est une merveille, je ne le dirai jamais assez !

Billets sur le roman chez Syl., Karine, Sandy, George, Liliba, Céline, Cécile  

Alors le film, me direz-vous ?

Et bien d'une certaine manière, il respecte le roman.

La vie à Hailsham est faite de petits riens du quotidien, mais aussi de règles et de rumeurs qui effraient les enfants et les empêchent de sortir de la propriété. Ils ne sont pas prisonniers, ils pourraient franchir les limites mais s'en empêchent. L'extérieur les inquiète et ils ont bien raison : Hailsham sera le seul endroit où ils auront connu la sécurité et un semblant d'affection.

Tout cela est très bien mis en scène et participe à créer une atmosphère, à tisser un lien direct entre les spectateurs et les trois personnages principaux. A partir de là, comme dans le roman, on ne peut que souffrir avec eux lorsqu'ils découvrent ce pour quoi ils sont là. On est empêché de l'intérieur, comme eux. On est eux, et de ce fait on ne peut rien pour les aider.

Les décors, comme ceux imaginés dans le roman, sont magnifiques, - les maisons, la campagne anglaise, la côte.

A certaines scènes j'ai vraiment retrouvé l'émotion du roman, et la même grande tristesse pour ces personnages que j'avais découverts enfants dans les petits instants précieux de leur quotidien, et qui m'étaient devenus intimes et proches. Même en sachant qu'ils allaient échouer, j'ai espéré quand Kathy et Tommy vont chez Madame pour essayer d'obtenir un sursis. Et j'ai retenu ma respiration quand dans une scène magnifique et si terrible à la fois Tommy fait enfin exploser sa rage, sa révolte et sa déception.

Andrew Garfield est formidable dans ce rôle, comme il l'était dans Boy A de John Crowley. D'ailleurs pour moi, les meilleures scènes du film sont celles que partagent Andrew Garfield et Carey Mulligan.

Carey Mulligan interprète parfaitement Kathy, personnage un peu en retrait, consolatrice, discrète, s'effaçant derrière Ruth la peste, et lui laissant ainsi l'emprise sur Tommy, alors qu'elle l'aime vraiment, tel qu'il est avec ses imperfections et ses colères.

Alors, bien sûr, le film n'a pas la subtilité du roman d'Ishiguro. Mais était-ce possible ?

Peut-on parler d'erreur d'interprétation du texte quand le réalisateur révèle dans le premier quart d'heure le « mystère » qui plane autour de ces enfants ? Certes, l'auteur prenait le temps, par petites touches tout en finesse, d'arriver à la révélation (presque) finale. Toutefois, j'avais lu plusieurs fois le roman, le mystère n'en était donc plus un pour moi, et je n'ai pas vraiment été gênée par cette rapidité.

Par contre, une scène cruciale du roman (à mon humble avis) où au son d'une chanson dont elle ne comprend pas le sens, Kathy-enfant berce dans ses bras un coussin comme s'il s'agissait d'un enfant, et qu'elle finit par se rendre compte que Madame l'observe depuis un moment en pleurant, est complètement ratée dans le film. En effet comment comprendre l'attitude de Madame et des autres adultes extérieurs face aux enfants, ou le rôle de la « galerie d'art », si au lieu de Madame, c'est une Ruth énervée, interloquée ou moqueuse (on ne sait pas trop) qu'il nous est donnée à voir à l'écran ?

Et dernier reproche : la musique ! Alors que la mise en scène est sobre, et qu'elle accompagne des personnages résignés, sans avenir, est-il obligatoire de signaler aux spectateurs, par le truchement de violons dégoulinant de guimauve, que oui, c'est bien triste tout ça, et que ce serait bien de pleurer un peu.

L'histoire de Kathy, Tommy et Ruth ne m'a jamais donné envie de pleurer mais plutôt de hurler, ou tout simplement de rester silencieuse devant tant d'injustice.

Finalement, je m'attendais tellement à un navet, que malgré les réserves émises, j'ai passé un assez bon moment et j'ai pu retrouver un peu de l'atmosphère de ce superbissime roman (heu... comment ça , je l'ai déjà dit ?)

Voir aussi chez Céline

Winter's bone - Debra Granik

adapté de Un hiver de glace de Daniel Woodrell

Avec

Jennifer Lawrence (Ree Dolly)

John Hawkes (Teardrop)

Ree Dolly, 17 ans, vit avec ses jeunes frère et sœur et sa mère dans une maison qui tient plutôt de la cabane, dans le fin fond du Missouri. On comprend qu'elle a dû quitter l'école pour s'occuper de sa fratrie mais aussi de sa mère, totalement ailleurs, qui semble souffrir de dépression.

Le père, absent, est pourtant  d'une importance capitale dans cette histoire. Pour échapper à la prison – il fabrique de la méthamphétamine, comme la plupart des habitants de la région d'ailleurs – il lui fallait payer une caution. Faute d'argent, c'est la maison qui lui a servi de garantie.

La police vient informer Ree que si son père ne se présente pas au tribunal, la maison sera saisie et elle sera expulsée avec les petits et sa mère. C'est la début d'une recherche qui s'avèrera douloureuse.

Elle devra affronter sa famille, ses voisins, les amis de son père, aucun n'ayant intérêt à ce que le père refasse surface. Elle rencontre partout la méfiance, la loi du silence, puis l'hostilité franche et rapidement la violence.

Cette violence est omniprésente chez ces personnages d'exclus et de petits mafieux. Finalement j'ai trouvé dans ce film pas mal de points communs avec True Grit. Ree est un peu comme Mattie, une jeune fille qui évolue dans un monde d'hommes, un monde hostile, et sa quête du père (de l'assassin du père dans True Grit) , lui fera gagner ses galons d'adulte. Ici encore il s'agit d'une histoire qui donne un rôle fort à une jeune fille. Une différence notable toutefois : si l'humour est très présent dans True Grit, il n'en est pas de même dans Winter's bone.

Ree ne sourit pas, ou si peu, et ne semble connaître de moments de tendresse qu'avec ses frère et sœur ou avec une copine mariée et déjà mère de famille, comme elle finalement.

Ree est obstinée, jusqu'à se faire tabasser sans broncher, elle ne renonce jamais même quand on la sent effrayée par la violence qu'elle provoque (la scène où elle va demander de l'aide à son oncle Teardrop, camé, englué lui aussi dans la loi du silence, est particulièrement effrayante). Et pourtant à aucun moment elle n'exprime de colère contre son père !

Pour sauver cette famille, on la sent prête à franchir toutes les limites, comme un animal avec ses petits. Elle a abandonné l'école pour eux, elle ne semble pas avoir de regret, mais elle met une rigueur particulière à les emmener à l'école, leur faire faire leur devoir, comme un parent qui veut que ses enfants fassent mieux que lui.

Si Debra Granik donne à voir la misère de ce petit coin des Etats-Unis, avec ses fermes délabrées, la pauvreté qui n'épargne personne, jamais le film ne sombre dans le misérabilisme. Il y a même parfois quelques rares moments de paix, autour de la musique (une scène familiale où chacun joue ou chante du bluegrass, ou une autre où le banjo du père va servir de lien entre Ree et Teardrop). John Hawkes est lui aussi génial dans ce rôle de Teardrop, si plein d'ambiguïté qu'on se demande à chacune de ses apparitions s'il va aider Ree, continuer à faire profil bas dans les brumes de la drogue, ou se mettre du côté des méchants. 

D'ailleurs qui sont les gentils et qui sont les méchants dans ce film ? Difficile à dire malgré tout. Les voisins de Ree par exemple guettent tout ce qui se passe chez elle, ils sont capables de la menacer tout en venant l'instant d'après lui apporter de quoi nourrir sa famille. Comme dans une grande famille où les disputes peuvent aller très loin mais où on se serre les coudes quand il le faut.

Dans une autre scène, digne d'un film d'horreur, les mêmes qui l'ont agressée quelques scènes plus tôt, lui viennent en aide mais l'obligent toutefois à procéder à un acte d'une grande barbarie. Bien sûr, elle va jusqu'au bout, pour sauver sa famille. La force du film est de toujours « montrer » les actes de violence hors-champ, ce qui n'est pas moins éprouvant d'ailleurs. Le film ne sombre jamais dans le sensationnalisme, ni dans le voyeurisme.

Malgré une lumière pâle d'hiver qui rend tout encore plus sordide, ce film est lumineux, grâce essentiellement à Jennifer Lawrence qui crève l'écran, avec une caméra qui s'accroche à elle tout au long du film comme pour mieux la soutenir.

C'est un film bouleversant, oppressant,scotchant !

Une très, très belle découverte.

Le choix de Luna
Réalisé par Jasmila Zbanic (Bosnie)
Avec Zrinka Cvitesic et Leon Luvec

C’est l’histoire de Luna, jeune hôtesse de l’air, amoureuse d'Amar, aiguilleur du ciel. A Sarajevo ils vivent la vie de nombre de jeunes couples ailleurs dans le monde. Ils s’aiment, veulent un enfant, sortent avec leurs amis, vont danser, boire…
Tout semble aller pour le mieux pour eux, mis à part le fait qu’ils ont des difficultés pour avoir un enfant. Mais tout bascule quand Amar est renvoyé pour six mois pour des problèmes d’alcoolisme.
Le temps passe, il rencontre un ancien camarade du temps de la guerre. Ce dernier est wahabbite (courant fondamentaliste de l'islam) et sa femme porte le niqab. Il propose à Amar de venir enseigner l’informatique dans sa communauté. Après quelque temps passé dans cette communauté, Amar revient transformé. Luna ne comprend pas ce changement et ne l’accepte pas même si elle sait qu’Amar l’aime toujours.

La Bosnie a beau être majoritairement musulmane, les habitants ne sont pas forcément pratiquants et Luna ne supporte pas de voir qu’Amar prend le chemin de l’intégrisme. Elle essaie pourtant de comprendre, même si on sent bien qu’elle ne supporte pas la place faite aux femmes notamment, et qu’elle est révoltée quand, sans y être conviée, elle assiste au mariage d’un membre de la communauté wahabbite avec une mineure qui ne semble pas consentante.

Luna n’a évolué que dans une communauté tolérante et peu pratiquante, d’ailleurs la fête de l’Aïd chez sa grand-mère ne suit pas le rituel traditionnel, on y chante, on y boit de l’alcool. Aussi Luna est-elle déroutée face au changement si radical d’Amar. Certes ce dernier va mieux, il a trouvé un équilibre et grâce à son retour à la pratique religieuse, il ne boit plus.

La réalisatrice ne veut pas condamner, elle essaie de comprendre ce mouvement intégriste, comme Luna.
L’empathie fonctionne complètement tout d’abord avec ce couple que Jasmila Zbanic fait réellement exister à l’écran en nous entraînant dans des petites scènes parfois incongrues de leur quotidien (scènes d’amour, scènes de salle de bain et de toilettes, scène de lessive…).

Puis c’est de Luna que nous nous rapprochons (peut-être que ça marche plus avec les femmes qu’avec les hommes), cherchant à comprendre l’éloignement d’Amar. Mais ce qui est montré c’est surtout la Bosnie, pays toujours englué dans son passé récent de guerre. C’est ce traumatisme que la réalisatrice veut montrer et elle le fait avec beaucoup de pudeur notamment dans la scène où Luna retourne pour la première fois voir la maison de son enfance, celle où sa mère a été abattue, celle dont sa famille a été spoliée. Ce traumatisme qui a sans doute rapproché Luna et Amar (ils ont subi les mêmes pertes) , mais qui les éloigne aussi l’un de l’autre.

Un film dont la mise en scène n’est pas exceptionnelle, mais j’ai aimé le jeu sensible et sobre des acteurs et surtout j’ai découvert une actrice lumineuse, Zrinka Cvitesic.
Les films venant de Bosnie sont rares sur nos écrans, je ne regrette pas d’avoir eu la curiosité de faire cette rencontre et ne peux que vous encourager à faire de même si un cinéma de votre région le programme.